GILDA VILLA SOBRE EL CINE CLUB “VISIÓN” 20-11-2009 GTM 1 @ 23:20
jagb —SOCIEDAD CULTURAL CINE CLUB VISIÓN: UN ESLABÓN POCO CONOCIDO EN LA HISTORIA DEL CINE CUBANO
Por Lic. Gilda Villa Hernández
La historia del cine cubano comienza en 1913 cuando el director Enrique Díaz Quesada instala el primer estudio cinematográfico que existió en Cuba en la azotea de una casa situada en la Calzada de Jesús del Monte 356 (antiguo) entre Santa Irene y Correa donde se elabora el primer largometraje con argumento del cine silente en Cuba: ¨Manuel García o el Rey de los campos de Cuba¨ que relataba las hazañas de un bandolero muy famoso en aquella época. Díaz Quesada, al que podemos considerar por su producción de carácter social y nacional el pionero de la cinematografía cubana, marca, sin dudas, el despegue de nuestra historia cinematográfica.
A partir de ese hecho, muchos acontecimientos han sucedido hasta nuestros días y es nuestro propósito dar a conocer el papel que jugó la Sociedad Cine Club Visión en esta historia.
A comienzos de 1956 un grupo de jóvenes entusiastas y amantes del séptimo arte se reúnen y deciden fundar una sociedad que permitiera conocer a los vecinos de la barriada de Santos Suárez y zonas aledañas, en La Habana, las distintas manifestaciones artísticas haciendo énfasis en el cine.
Surge así, la Sociedad Cultural Cine Club Visión.
En ella ocurrieron hechos inéditos para la cultura como por ejemplo, el Festival Villalobos, cantor de su pueblo, interpretado magistralmente por quienes serian años después, dos de nuestros intelectuales más destacados hoy en día en el campo de la música cubana y de la guitarra: Leo Brouwer y Jesús Ortega. Este Festival Villalobos sería el primer homenaje público a esta figura destacada de la música latinoamericana dado no solo en Cuba sino en el mundo como consta en el Museo Villalobos dedicado a este famoso compositor en su país natal, Brasil. Otro hecho significativo fue la conferencia impartida por Hugo del Carril acerca de la situación del cine latinoamericano en aquella época.
Importantes futuros artistas en distintas ramas de nuestra cultura participaron activamente y fueron miembros del Cine Club Visión, entre ellos se encontraban, además de los citados anteriormente, Manuel Octavio Gómez, Nelson Rodríguez, Manuel Pérez Paredes, Gloria Arguelles, Jorge Gómez Labraña, Manuel Cofiño Lopez, Manuel Puerta Quiroga y muchos otros más. A la vez, prestigiosos especialistas dieron conferencias y apoyaron incondicionalmente al Cine Club Visión entre los que podemos nombrar al Dr. José Manuel Valdés Rodríguez, critico del periódico ¨El Mundo¨, Walfredo Piñera, crítico del periódico ¨Diario de la Marina¨, Ramón Becalli, crítico de cine y teatro del periódico El País, Alfredo Guevara, Julio García Espinosa, Dr. Tomas Gutiérrez Alea , Manuel Duchesne Cuzan, músico y director, Vicente Revuelta (teatro), Juan Blanco, Harold Gramatges, María Teresa Linares, Dra. Graciela Pogolotti y el Dr. Antonio Núñez Jiménez, entre otros.
En lo que respecta a la sección de cine de la Sociedad, se exhibió una rigurosa programación durante toda su trayectoria con filmes valiosos de la cinematografía mundial y, además, se impartieron cursos y talleres de distintas especialidades.
Es de destacar que, desde sus comienzos, esta Sociedad editó una revista con artículos muy interesantes sobre cultura cubana con opiniones y comentarios sobre las condiciones en aquella época, de la cultura nacional.
Cine Club Visión se considera, junto a la Sociedad Cultural Nuestro Tiempo y el Cine Club Lumiere, una las tres instituciones claves más importantes estudiosas del séptimo arte, en la historia del cine cubano en ese periodo.
Hechos culturales y políticos tuvieron lugar o están relacionados con esta institución, entre ellos baste nombrar que el siete de enero de 1959, unidos a otras organizaciones y cine clubes tomaron el INFICC (Instituto Nacional para el Fomento de la Industria Cinematográfica Cubana).
En todo momento esta sociedad apoyó y luchó por el triunfo revolucionario de 1959. Esta institución se disolvió en los primeros meses de 1960 cuando se crean los órganos culturales idóneos para llevar a cabo la labor que venía desarrollando la misma, partiendo del hecho que con el triunfo de la Revolución, se lograban todos los objetivos que se perseguían a su creación.
Muchos de sus integrantes pasaron a las filas del ICAIC y de otros organismos donde su esfuerzo y trabajo era necesario.
Este es, pues, un pequeño homenaje a aquellos hombres y mujeres que unieron fuerzas para dar a conocer al pueblo lo mejor de la cultura cubana y mundial en condiciones sumamente difíciles.
PD: MARIO PIEDRA SOBRE EL CINE CLUB "VISIÓN"
Considero muy acertada la colaboración de Gilda Villa sobre el Cine club "Visión". Muchas veces nos referimos a los "invisibles" y tal parece que la tal "invisibilización" sólo toca a los que cambiaron de domicilio y pasaporte.
Lamentablemente, no es así. Hay decenas, o quizás centenares, de "invisibles" que todavia respiran en La Habana, y otros que no respiran, pero cuyo papel en esta historia del cine cubano es imprescindible.
El cine club, como queda demostrado en el trabajo de Gilda, aportó una considerable cantidad de talento al naciente ICAIC. Muchos de sus miembros, Gloria Argüelles o Manolito Pérez, por citar dos ejemplos, aún trabajan y realizan.
Pero me gustaría aportar un dato curioso y, según me parece, totalmente olvidado.
Al final de los años 80, la Federación Nacional de Cine Clubes de Cuba creó un espacio en lo que era entonces el patio del Centro de Información, y es ahora el popular "Fresa y Chocolate", donde se invitaba a realizadores -aficionados y profesionales- a compartir sus experiencias y opiniones con los presentes en aquella Tertulia, que tal era su nombre.
La Tertulia contemplaba una sección, llamada "La Picota", donde los invitados respondían inquietudes y cuestionamientos de los presentes, bajo palabra de total sinceridad.
Por ese entonces, habíamos encontrado una silla -una simple silla- en el ICAIC, que fue identificada por antiguos miembros del Cine Club "Visión", como perteneciente al mobiliario de aquella institución.
Lo curioso es que esa silla se convirtió, justamente, en "La Picota". Los participantes en ella debían sentarse en aquel mueble emblemático para responder a las preguntas que se le hicieran. Considerábamos que este acto constituía un homenaje al cine club que reconocíamos como un "antecedente" o, casi podríamos decir, un abuelo venerado. Sentado en ella, nuestro invitado no podía mentir.
Quizá era un homenaje ingenuo, pero los objetos, los simples objetos, conservan a veces un "kami" que los hace importantes. Para nosotros, lo era.
Insisto. Creo que el trabajo de Gilda Villa es importante. A los nombres "invisibles" u olvidados habrá que incorporar muchos otros -¿alguien ha hablado de Rául Parra, Goro Enomoto, Tony González?- que esperan, como dijo Martí de Valdés Domínguez, de quien, sin ira, los saque del olvido.
Mario Piedra
Meneame
del.icio.us“CUATRO DÉCADAS DE CINE POLACO” EN “NUEVO MUNDO” 20-11-2009 GTM 1 @ 18:02
jagb —Gracias a la gentileza de la Embajada de la República de Polonia en La Habana, los cinéfilos camagüeyanos podrán disfrutar en la sala “Nuevo Mundo” del ciclo “Cuatro décadas de cine polaco”.
Sobre la impronta del cine polaco en cineastas y espectadores cubanos estaremos hablando el próximo miércoles en el espacio “La ciudad simbólica” (auspiciado por la “Cátedra de Pensamiento Audiovisual “Tomás Gutiérrez Alea” y la UNEAC). En el panel estarán los doctores Luis Álvarez Álvarez, Olga García Yero, Jorge Luis Varona, el máster Armando Pérez Padrón, y quien suscribe.
Más adelante colgaré algunas notas inspiradas en las películas incluidas en este ciclo, pero por lo pronto les dejo a mano la programación.
Juan Antonio García Borrero
CICLO: “CUATRO DÉCADAS DE CINE POLACO”
Sala Nuevo Mundo, del 23 al 29 de noviembre
Lunes 23
8.00 pm
LA DEUDA (1999), de Krzysztof Krauze
Martes 24
5.00 pm
MADRE JUANA DE LOS ÁNGELES (1960), de Jerzy Kawalerowicz
7.00 pm
ADIÓS, HASTA MAÑANA (1960), de Janusz Morgenstern
9.00 pm
LA VIDA DE MATEO (1967), de Witold Leszczynski
Miércoles 25
5.00 pm
LA CIUDAD SIMBÓLICA: “Coloquio sobre el cine polaco y su influencia en Cuba”
Participan: Dr. Luis Álvarez Álvarez, Dra. Olga García Yero, Dr. Jorge Luis Varona, Ms. Armando Pérez Padrón, Juan Antonio García Borrero
9.00 pm
EL HOTEL PACÍFICO (1975), de Janus Majewski
Jueves 26
5.00 pm
LA BODA (1972), de Andrzej Wajda
7.00 pm
ADIÓS, HASTA MAÑANA (1960), de Janusz Morgenstern
9.00 pm
EL ANIMADOR (1978), de Féliks Falk
Viernes 27
5.00 pm
EL GALOPE (1995), de Krzysztof Zanussi
7.00 pm
LA VIDA DE MATEO (1967), de Witold Leszczynski
9.00 pm
LA MASCARADA (1986), de Janus Kijowski
Sábado 28
5.00 pm
LA BODA (1972), de Andrzej Wajda
7.00 pm
EL ANIMADOR (1978), de Féliks Falk
9.00 pm
SEXMISSION (1983), de Juliusz Machulski
Domingo 29
5.00 pm
SOY YO, EL LADRÓN (2000), de Jacek Bromski
7.00 pm
EL HOTEL PACÍFICO (1975), de Janus Majewski
9.00 pm
SEX MISSION (1983), de Juliusz Machulski
“DÍA DE LA CRÍTICA” Y LIBROS SOBRE CINE CUBANO EN EL VENIDERO FESTIVAL DE LA HABANA 19-11-2009 GTM 1 @ 20:02
jagb —Ya comienza a hablarse del venidero Festival de Cine Latinoamericano en La Habana (del 3 al 12 de diciembre del año en curso). Sobre la presencia del cine cubano en este evento estaremos hablando más adelante en el sitio, pero hago un anticipo: el domingo 6 de diciembre se estará celebrando en el Salón “1930” del Hotel Nacional el ya tradicional “Día de la Crítica”, y que este año tiene un tema de discusión realmente novedoso: “Más allá de los créditos: dialogando con los técnicos del ICAIC”.
Creo que será la primera vez que ocurrirá eso: que los críticos se reúnan para escuchar lo mucho que aún tienen que decirnos aquellos que, desde la invisibilidad, han hecho posible la historia del cine cubano (¿no se nos aparecerá por allí Pucheux y compañía con todas esas anécdotas que nos han regalado a los lectores del blog?).
Luego, como colofón del “Día de la Crítica”, se venderán publicaciones. A destacar, los dos textos publicados por la editorial Acana de Camagüey, y que fueron los Premios Nacionales de Investigación y Crítica correspondientes al 2007, ganados respectivamente por Luciano Castillo/Arturo Agramonte, y Joel del Río. Y no menos valioso será el volumen de entrevistas concebido por Oneyda González en torno al guión cinematográfico, y publicado por la Editorial Oriente, que, dicho sea de paso, a estas alturas ya ostenta la mejor colección de textos relacionados con el cine de la isla.
Juan Antonio García Borrero
Libros que serán presentados el 6 de diciembre en el Salón “1930”.
ENTRE EL VIVIR Y SOÑAR (Pioneros del cine cubano)
Autor: Arturo Agramonte y Luciano Castillo
Editorial: Ácana (Premio Nacional de Investigación del año 2007).
“Es notable el esfuerzo que entraña este libro: la búsqueda y fijación de informaciones sobre los pioneros y continuadores del cine cubano… En sus páginas leemos, en síntesis, los días y las noches, los desvelos de quienes hicieron del cine su objetivo vital, una razón de existencia, un noviazgo incómodo y cuánto queda entre el vivir y el soñar. Ese accidentado panorama se sostuvo por la obsesión de unos pocos, aquí retratados en su pasión y en sus delirios, en los reveses que conocieron, y en su persistencia para persistir entre rechazos y desilusiones. El conjunto complementa un aprendizaje necesario, del que no debe permanecer ajeno el amante del cine, el seducido de luneta que somos todos…” (Reynaldo González).
CONTEXTOS, CONFLICTOS, CONSUMACIONES (Análisis crítico del cine cubano entre 2000 y 2006).
Autor: Joel del Río
Editorial: Acana, Camagüey
Excelente revisión crítica de la producción del audiovisual cubano en el período que va del 2000 al 2006, y que mereció el “Premio Nacional de Crítica Cinematográfica” del 2007. El lector podrá encontrar evaluaciones de los siguientes filmes: “Hacerse el sueco”, “Lista de espera”, “Las noches de Constantinopla”, “Miradas”, “Nada”, “Miel para Oshún”, “Aunque estés lejos”, “Entre ciclones”, “Roble de olor”, “Suite Habana”, “Perfecto amor equivocado”, “Tres veces dos”, “Barrio Cuba”, “Viva Cuba”, “El Benny”, “Mañana”, y “Páginas del diario de Mauricio”.
POLVO DE ALAS (EL GUIÓN CINEMATOGRÁFICO EN CUBA)
Autora: Oneyda González
Editorial: Editorial Oriente, Santiago de Cuba
Índice
ESCRIBIR PARA EL CINE ES…
Senel Paz: “El encanto del oficio”
Aida Bahr: “El guionista sabe que escribe para todos”.
Arturo Arango: “No ceder a los excesos”.
Manuel Rodríguez: “Saber elegir”.
Julio Carrillo: “El guión es la película virtual”.
EN EL REINO DE LOS AUTORES…
Humberto Solás: “El guión es la espiritualidad del cine”.
Pastor Vega: “Cine de autor, la contribución más importante”.
Orlando Rojas: “Yo quiero el guión perfecto”.
Tomás Piard: “Yo me apropio de los guiones”.
Arturo Sotto: “El cine se concreta en las imágenes”.
Pavel Giroud: “Nos urgen buenos guiones”.
Fernando Pérez: “La magia inexplicable”.
Juan Carlos Cremata: “Hacerlo todo desde mí”.
Jorge Luis Sánchez: “Renovar el lenguaje”.
Belkis Vega: “Una mirada femenina”.
Miguel Coyula: “Soy y seré siempre una isla”.
DONDE LA CRÍTICA SE REVELA…
Luis Álvarez: “El guión como sustancia”.
Luciano Castillo: “Siempre existe la posibilidad de sorprender”.
Mayra Pastrana: “La crisis de la crítica de cine”.
Juan Antonio García Borrero: “¡Viva el pensamiento!”.
Dean Luis Reyes: “Hace falta una crítica que dude de sí misma”.
BLOGuerías
Autor. Juan Antonio García Borrero
Editorial: Acana, Camagüey
Selección de algunos de los textos colgados en el blog “Cine cubano, la pupila insomne”.
OTRAS MANERAS DE PENSAR EL CINE CUBANO
Autor: Juan Antonio García Borrero
Editorial: Oriente, Santiago de Cuba
“García Borrero es un crítico de cine de la primera generación que creció por entero dentro de la Revolución. No es casual quizás que represente una nueva especie de historiador fílmico, que insiste en los valores de un academicismo depurado pero los aplica con el oído puesto en las inquietudes contemporáneas acerca de la contradicción y la paradoja inscritas en terrenos culturales como el cine. Él cree que cuestionar la sociedad es una función intrínseca del cine, y que la representación de la realidad social en la pantalla es más rica cuanto más crítica. Es un decidido partidario de la idea de que el ojo del cineasta no ha sido nunca, ni podrá ser, inocente, tal como dice en uno de los post colgado en su blog “Cine cubano, la pupila insomne” (otro indicador de su contemporaneidad). Esto lo lleva inevitablemente a la insistencia en revisar la historia del cine cubano, para rescatar sus olvidos, reconstruirlo desde su misma base, para volver a ver y reevaluar sus filmes en lugar de repetir juicios críticos de segunda mano. El presente libro es una importante contribución a este propósito. Es, de hecho, una lectura esencial”.
Michael Chanan
EL CRÍTICO 19-11-2009 GTM 1 @ 16:18
jagb —Algunos de mis amigos me llaman “crítico”. Ya sé que es inevitable lo de las etiquetas, pero confieso que no es un calificativo que me hace sentir demasiado orgulloso. A decir verdad, muchas veces tengo la impresión de que ese término sonaría menos hostil en boca de mis detractores (“el crítico ese…”, dirán despectivos, y uno adivina fácil de qué hablan).
Desde luego que en esta vida han existido buenos críticos. Personas lúcidas con un talento enorme para adentrarse en la aventura del conocimiento con el rigor de la más exigente metodología. Mas (y no es falsa modestia) no creo ser uno de ellos. Amo demasiado el verbo mundano (que no hay que confundir con la chusmería), las conversaciones informales de la plaza pública, como para sentirme cómodo encerrado en los predios de lo académico, dictando desde un pedestal reglas de buen gusto. Definitivamente prefiero una buena conversación entre dos, a leer una conferencia ante cuarenta personas. Quizás sea eso lo que me mantenga enganchado al blog: aunque lo lean cincuenta al mismo tiempo, la conversación en un inicio será solo entre dos.
Por otro lado, me horrorizaría que algún día alguien me echara en cara aquello que Schopenhauer alguna vez suscribió: “Hay críticos que piensan que les corresponde decidir a ellos qué es bueno, y qué es malo: creen que su corneta de juguete es la trompeta de la fama”.
Juan Antonio García Borrero
ÁNGEL VELÁZQUEZ SOBRE EL CINE MEDITATIVO (2) 18-11-2009 GTM 1 @ 19:05
jagb —EL CINE PUEDE SER TAMBIEN MEDITATIVO (2).
Por Ángel Velásquez Callejas.
No hay evidencia claras que de fe sobre el basamento que llevó a Walter Benjamín a declarar que la “historia” era un caos. No hay nada más parecido a la historia, decía Benjamín, que una “galimatías”. No estaba incorrecto en este planteamiento si nos basamos en la historia de las guerras por la que ha atravesado la humanidad durante más de cinco mil años. Pero significar que la historia en sí misma es un caos es muy atrevido. Este atrevimiento de Benjamín es significativo. Debió soñarlo e intuirlo a fuerza de imaginación. No pudo ser de otro modo. No hay otra forma para arribar a semejante conclusión. Pero darse cuenta que las estructuras de la historia es fenomenología aparente, que en realidad lo que reina es el caos, es invitarnos a reflexionar sobre un tópico que las ciencias sociales y el arte siguen obviando: el carácter del despertar humano.
El cine, a mi parecer, tiene una doble función básica. Quizás el sujeto cinematográfico no se halla dado cuenta de la totalidad de esa función, pero una película puede mostrarnos las dos dimensiones de la realidad y la existencia: lo real y lo irreal. Una historia nos puede estar dando la sensación de la trama, del discurso lógico, pero al mismo tiempo, si nuestra observación es correcta y profunda, se representaría también ante la visión ese “caos” del que habla Benjamín. La sentencia de que hay que “tener ojo para ver” nos transporta a la otra dimensión del proceso, a la del caos. Hay metáforas cinematográficas que ha intentado fotografiar la imagen del caos, pero son demasiado realistas, olvidan la otra dimensión. Lo que proponía Benjamín se basaba en una verdadera visión: la interrelación de los opuestos, entre lo coherente y lo caótico. Nuestro cine esta lleno de coherencia, sin mostrarnos un ápice del caos que lo rodea.
Para que se entienda mejor lo que estamos aduciendo, dejémoslo que nos lo cuente una imagen cinematográfica. El genial realizador japonés Akira Kurosawa ha puesto en escena lo que revela el sueño, la manera de cómo la humanidad ha estado soñando la realidad. De los ocho Dreams que constituyen la realización filmografica de Kurosawa, uno me parece ejemplar sobre lo que queremos indicar. Precisamente se titula Crows, cuervos, paralelo con lo que Lezama inquirió sobre el significado mitológico del cazador de cuervos. El sueño, en la escena fílmica se revela mediante la figura del pintor holandés Vicent Van Gogh.
Se trata de un pintor que deseaba conocer el significado de los lienzos de Van Gogh. De modo que no solo había una actitud crítica hacia sus cuadros sino una tremenda influencia de su técnica pictórica. Pero mientras mas observa los lienzos del pintor holandés ningún sentido significativo obtenía. Siempre lo mismo. Con mucho, solo podía observar el detalle, los trazos, los colores, las figuras objeto de arte, pero nada revelador sucedía. Extenuado de observar cuadro por cuadro decide relajarse, olvidarse de esos detalles y es cuando algo revelador sucede: no son los detalles, los trazos, la técnica pictórica, la figura objeto de realización lo que hay de revelador y significativo en los lienzos de Van Gogh, sino el espacio gnóstico que yace oculto en la interioridad del creador. ¿Cómo expresar el espacio gnóstico en los lienzos de Van Gogh mediante una proyección visual, si es que este tipo de espacio no puede ser visto en sus detalles, como una cosa en sí? En eso radica la genialidad del realizador. Kurasawa es un maestro interesado en el cine meditativo, alguien que observa más allá de la figura y el detalle, y se sumerge como todo un soñador en el misterio de la vida.
Desde luego, lo que le interesa al realizador japonés es revelar que Van Gogh es tan vital, tan consciente de lo que pinta y cómo el pintor y la pintura se disuelven en el lienzo y pasan a formar parte de un espacio infinitamente incognoscible. Todos los lienzos de Van Gogh incitan –es la mirada del realizador- a que el observador descubra en qué parte del lienzo se halla el pintor. Con la mirada directa no lo hallará, con el yo que conoce no lo encontrará, pero con la mirada oblicua, al decir de Lezama, se revelará. Esa mirada de donde se revelará no puede ser desde el ego, desde la dualidad; tiene que trascender, tiene que atravesar el lienzo y llegar hasta el mismo Van Gogh. ¿Dónde se encuentra Van Gogh? El pintor lo hallará en todas partes del lienzo. Se da cuenta que todo ese tiempo había estado soñando, alejándose de la realidad. En eso consiste todo el diálogo visual y verbal entre el pintor y Van Gogh. Veamos.
En medio de un paisaje que lo ocupa todo, que se hace infinito, y que al mismo tiempo es un paisaje resultado del pincel de Van Gogh, el pintor ordinario se le acerca y le pregunta ¿Tu no eres Vicent Van Gogh?, a lo que responde con una pregunta ¿por qué no está pintando? Es extraordinariamente significativo este primer dialogo. Van Gogh no responde a la pregunta, sino que salta por encima y en vez de responder hace la pregunta. No responde, sino pregunta. Entre ambas entidades verbales, se produce un salto, un vacío, un silencio. En ese salto, donde no existe comunicación ninguna va respondida la pregunta del pintor. Si se está atento, consciente de la unidad entre la pintura y el pintor se le puede revelar el significado de la respuesta. En ese salto, donde evidentemente no hay comunicación, se halla oculto el espacio gnóstico. Van Gogh le está indicando, no puede ser de otro modo, por mediación de ese salto, que el tú eres no es la esencia de Van Gogh, sino una palabra para designar un falso centro, un ego, por el cual queda separado el pintor de la pintura.
La pregunta de Van Gogh –que no es más que una respuesta sobresaltada-hacia el pintor ordinario encierra un poderoso significado que abre el dialogo directo desde sí mismo, desde el origen, desde las raíz, desde lo que Lezama llama Casa del Alibi y Martí denomina Patria. Las preguntas desaparecen de la escena. No es un monólogo lo que se establece, sino la experiencia, la esencia, la unidad, la verdad, hablando por sí misma. “Para mí, –dice Van Gogh- este paisaje es increíble. Los paisajes que parecen un cuadro no llegan a cuadro. Si mira con cuidado, toda la naturaleza tiene su belleza. Cuando aparece esa belleza natural me pierdo en ella. Y luego, como en un sueño, el paisaje se pinta a sí mismo para mí. Si, consumo este paisaje natural, lo devoro entero, completamente. Y luego cuando acabo… el cuadro aparece completo ante mí. Pero es tan difícil mantenerlo adentro”.
“El paisaje se pinta a sí mismo para mí”, es para Van Gogh el único modo real de concebir el mundo. Real en el sentido que se origina en el interior, en el alma. En el interior se halla el único modo absoluto de estar seguro de la realidad. En este sentido el paisaje no surge del mundo exterior, sino de su creación interior. De lo contrario puede ser comprobado de que es como un sueño. Nunca se podrá estar seguro si no es del mundo interior. Y de ahí surge la naturaleza de cómo Van Gohg concebía sus lienzos. Por ejemplo, la esencia de la teoría del eminente filosofo francés Georges Berkeley radicaba en demostrar que la existencia, el mundo exterior, era una ilusión y una forma irreal de suceder el mundo puesto que nadie pudo demostrarle lo contrario. ¿Cómo saber si el mundo exterior es irreal o no si lo puede realizar en sueño también? ¿Y entonces que haces?, vuelve a preguntar el pintor ordinario, a lo que Van Gogh responde: “trabajo, me esclavizo, me conduzco como si fuera una locomotora”.
Ese es el significado más autentico de un pintor, de un creador. Danza de éxtasis, de gozo, de dicha, de felicidad, porque la pintura abarca la totalidad del momento, del instante, del presente, cuyo único espacio/tiempo es donde la realidad aparece existencialmente viva y real. Cuando el creador de halla separado de la creación no hay arte posible, es solo una imitación. Pinta pero no revela nada significativo en lo que expresa; el paisaje le llega prestado, lo toma del mundo exterior y luego lo proyecta. A lo sumo puede convertirse en un gran pintor técnicamente. Pero un Van Gogh tal y como Kurasawa lo mira es un modo de trascender el entendido falso mundo de las artes visuales. Van Gogh se despide del pintor ordinario diciéndole: “el sol me obliga a pintar. No puedo perder el tiempo hablando contigo”. Y de pronto Van Gogh desaparece de su vista; lo busca por todas parte del infinito paisaje y no lo halla, no lo encuentra, y en el horizonte, en la lejanía un vislumbre, una señal de Van Gogh aparece levantando el vuelo, como las palomas levanta el vuelo de la tierra al cielo.
El pintor ordinario entra a su estado normal, sale del lienzo y no escapa a que todo había sido un sueño. De ahí que el realizador acuda, en el primer acto, a un recurso metafórico visual y lo designe “into the canvas”. El observador tiene que entrar en el lienzo, si quiere de veras hallar el significado oculto de la realización del pintor holandés. Y es entonces cuando comienza la búsqueda; la duda pone en tela de juicio lo que hasta entonces se conoce como un mundo real y existencial. Ahora el mundo comienza a verse como un sueño. Y es así, el mundo ante la perspectiva una mirada oblicua se vuelve un sueño, no es real; lo coherente se transforma en caos.
ÁNGEL VELÁZQUEZ SOBRE EL CINE MEDITATIVO (1) 14-11-2009 GTM 1 @ 13:47
jagb —EL CINE PUEDE SER TAMBIEN MEDITATIVO (1).
Por Ángel Velásquez Callejas.
Para un blog como “Cine cubano: la pupila insomne”, es meritorio que hagamos la pregunta: ¿es posible la imaginación insomne? En otras palabras, ¿es posible que un sueño se nos relevase real, estético, universal? La crítica cinematográfica borgesiana no lo permitiría. Orson Welles ha dicho -lo que presupone una estandarización en el pensamiento cinematográfico mundial- que “una película es una cinta de sueños… pero un sueño nunca es una ilusión…un sueño nunca es una mentira”. Para Borges un sueño es una gran mentira estética; puede que resulte ser expresiva, edificante, pero su origen es ficticio, depende de una necesidad. Puede que la imaginación en estado de vigilia no sea tan auténtica, por estar condicionada por mil y una cosa, pero la imaginación en estado de inconsciencia, en sueño, es como es, sin ninguna predisposición razonada. Sale, se da espontáneamente y la idea del cine debió surgir de ese “ensueño”, no de una “visión”. La cámara de filmación debió ser soñada como una necesidad. Alguien estuvo soñando – quien sabes si fue Hervey de Saint-Denys- y cuando despertó lo entregó a la posteridad.
Y es lógico que así fuese, no de otro modo. Tal y como del telescopio de Sergio –que es un instrumento simbólico onírico- tomó cuerpo y organicidad la crítica cinematográfica cubana, del mundo onírico de los sueños se derivó la imagen, como dice Welles, “para que soñemos en color y, a veces, en blanco y negro, pero nunca en cinemascope”. El cine surge como un planteamiento estético del “movimiento de las cosas” que se diferencia de las demás artes por su carácter eminentemente onírico. Cuando el hombre tomó conciencia de la existencia del “inconsciente”, de los movimientos involuntarios que allí mostraba, de los impulsos en forma de imágenes, la idea de la voluntad cinematográfica se le apareció. El cine surge de la “voluntad onírica”. Pero el cine tal y como lo conocemos hoy no ha cambiado en nada en su concepción expresiva a los de sus comienzos. La esencia es la misma, solo que la evolución ha sido en el plano tecnológico y formal. Los “surrealistas” aprovecharon los sueños provocados por los deseos de la mente consciente para hacer cine, pero no hay tanta diferencia en las ensoñaciones de una película como la de “Un perro andaluz” y el “Ciudadano Kane”. Es el deseo insatisfecho de la vigilia la que provoca ese tipo de sueño, el interés por el ego, por la voluntad de poder, por querer ser.
El cine ha descuidado algo: su esencialidad. Ha olvidado que surgió de la tensión interna, de la subjetividad humana onírica para ser trascendida. El cine no ha llegado “ser”. De ahí el origen de su crítica; de ahí su “telescopio”. Por eso pasan décadas y una película como “Cuidadano Kane” es insuperable. Los movimientos escénicos parecen tan vivos, tan reales, que el sueño no puede ser una ilusión. Lo es, una ilusión gratificante que conmueve mágicamente el imaginario del espectador. El cine no puede continuar en ese drama onírico porque no conducirá a ningún crecimiento, a ningún cambio esencial humano. El cine tiene que dar un cambio: del “imaginario onírico” a la “imaginación consciente”. El cine también puede ser meditativo, con ganas de “despertar”; que traiga crecimiento y que ayude a valorar la impronta de la existencia y del significado positivo de la vida. La organicidad del psico-drama –
porque Welles debió ser al mismo tiempo el guionista, el director, el productor, el espectador, el escenario- es un sueño que debe dar paso a la atestiguación.
Entonces el cine puede pasar de la “historia del crimen” a la historia del crecimiento de la conciencia humana. El cine tiene un “medium”, un “vehiculo” de expresión todo poderoso que no lo tienen las demás artes: tiene la “cámara” que, como bien dice Welles, “es mucho más que un aparato de registro”. Tiene un instrumento que bien aprovechado puede expresar, captar en imágenes los “movimientos posibles” de la conciencia humana. Puede expresar un poco más la realidad de la verdad. Puede llegar a entender las posibilidades del sueño profundo, del “silencio total”. De modo que puede ser capaz de registrar, si la conciencia lo permite, los instantes íntimos en que desaparece el monologo interior. Y puede que entonces el cine cambie en lo formal; que los movimientos escénicos no se den en planos horizontales, sino en verticales; no se den en forma de discurso, en un metarrelato, en una historia, en una biografía, en un proceso lógico formal; se de en “un instante ascendiendo la eternidad”. Pero hasta ahora la cámara ha estado disponible para captar las imágenes de los movimientos oníricos de la vigilia y el ensueño del inconsciente, y no solo los más plausibles, sino los peores. Ese instrumento no ha sido aprovechado del todo. Muy pocas películas son merecedoras de un buen movimiento onírico y de una buena trama que haga identificar los anhelos del corazón humano.
SOBRE “CANALDOCUMENTAL TV” 11-11-2009 GTM 1 @ 17:42
jagb —Hace poco se celebró en la ciudad de Camagüey la decimonovena edición de “El Almacén de la Imagen”. Algún que otro realizador se quejó de lo de siempre: la insuficiente promoción de la obra realizada por los más jóvenes; el difícil acceso a los “canales oficiales”.
Yo creo que es necesario seguir insistiendo en que mantenerse aferrado a esos esquemas de antaño, lejos de beneficiar a los nuevos realizadores, lo que hace es hundirlos en prácticas trasnochadas de producción y circulación. Hoy hay nuevas ventanas, nuevos “canales”. El problema, a mi juicio, ahora es otro: ¿cómo conseguir atraer la atención en medio de tantos y tantos canales? Antes era la precariedad de espacios lo que afectaba; ahora más bien es la exhuberancia lo que nos hace invisibles. Pero eso es un tema que pretendemos discutir en el venidero Taller Nacional de la Crítica Cinematográfica (del 16 al 20 de marzo del 2010).
Por lo pronto, cuelgo esto que me han enviado sobre un espacio muy singular que todos los documentalistas del patio deberían conocer: “CanalDocumental TV”.
Juan Antonio García Borrero
CanalDocumental TV
(La mirada online al documental cubano)
A l@s realizador@s del audiovisual cubano:
No tenemos derecho a esperar.
En los años 60 el cine se hacía con una cámara en mano, y una idea en la cabeza. Hoy podemos recurrir a las nuevas tecnologías para completar el sentido de nuestros sueños. Hagamos que el mundo sea nuestras pantallas.
Para ello, el proyecto audiovisual Canaldocumental.TV ofrece gratuitamente a todos los cineastas cubanos una plataforma online para exhibir en Internet sus creaciones, y con pleno y total respeto hacia la propiedad intelectual.
Creado en agosto de 2007 por jóvenes cubanos entre Madrid y La Habana, sin más apoyo que la voluntad y las ganas de hacer, CanalDocumental TV es un canal de TV online -en streaming- dedicado al cine documental cubano, actor por derecho propio de la cultura cubana desde hace más de medio siglo. A ese legado vivo rendimos homenaje con nuevas posibilidades de promoción y contacto con el público.
CanalDocumental TV surge como respuesta a la necesidad de la mayoría de los jóvenes realizadores cubanos de distribuir sus obras. El documental indie hecho en Cuba no tiene acceso a la distribución internacional, por lo que muchos interesados en este tipo de obras nunca lograr acceder a ellas, ni conocerlas. CanalDocumental TV está basada en los nuevos conceptos de distribución de contenido, la web 2.0 y las mejoradas funcionalidades de Internet, como es el caso del streaming video. Es, además, una oportunidad marcada por la necesidad de propiciar nuevas formas de expresión, más libres, abiertas y participativas.
En 2008 CanalDocumental.TV recibió más de 19.000 visitas mensuales, con casi 89.000 reproducciones de vídeos. Los visitantes provienen, fundamentalmente de: España, EE.UU., México, Cuba, Venezuela, Chile, Alemania y Argentina. Además, el boletín electrónico alcanza semanalmente, a más de 3.000 suscriptores, procedentes sobre todo del mundo audiovisual y cultural.
Además de la exhibición online de cortometrajes y documentales cubanos, CanalDocumental.TV está empeñado en la realización de un festival online del documental cubano, así como en la presentación y distribución del documental emergente –bajo permiso de sus autores- en festivales de cine, ciclos de cine cubano, programas de TV públicas y privadas, así como a través de otros modos actuales para la distribución de contenidos culturales. Difundimos también noticias sobre los propios realizadores, proyectos, rodajes, estrenos, presentaciones, búsquedas de financiamiento y toda información relacionada con el documental cubano emergente.
Para exhibir tus creaciones y participar en este empeño, solo debes enviarnos tu material en Cdrom o DVD o entregarlo a nuestro cooperante en La Habana. Si deseas más detalles, contacta con nosotros.
En Madrid: Gabriel Gutiérrez
gabriel@canaldocumental.tv
En La Habana: Abelardo Mena,
email: habanahoy@yahoo.es
Algunas opiniones recibidas acerca de CanalDocumental (2007–2009)
"El proyecto está muy bien." (Isabel Viera, funcionaria de la UNESCO, Oficina Regional de Cultura para América Latina y el Caribe, La Habana.)
"...Me gustó el ambiente (...) quedé asombrado (...) puedes contar conmigo para todo..." (Humberto González Carro, crítico de cine cubano, director de la filial de Holguín del Instituto Superior de Arte (ISA) de Cuba.)
"...Acabo de ver CanalDocumental. Tremenda sorpresa: ya es un canal de verdad. Mis felicitaciones..." Waldo Capote, videasta cubano, realizador –junto a Armando Guerra– del documental "Pedro Luis Ferrer: La Revolución de un Hombre".
"(...) Me parece muy interesante e importante el trabajo que están haciendo." Sandra Gómez, videasta cubana, realizadora del documental "Las camas solas".
"...Me parece muy bien (…) CanalDocumental es alternativo y efectivo, que es lo más importante." Juan Antonio García Borrero, crítico e historiador del cine cubano.
"Me alegra ver mi film en vuestro canal." Csilla Szigeti, cineasta húngara –asistente de dirección de István Szabó, Peter Greenaway y Tony Scout–, directora de los documentales "Colores" y “Perravida”.
"Me parece muy bueno su proyecto. (...) muy buena la idea. Mucha suerte." Daniel Vera, cineasta cubano, realizador del documental "De buzos, leones y tanqueros".
"Muy contentos quedamos de conocerlos. Les deseamos mucho éxito, que ya lo tienen con CanalDocumental." Elvira Rodríguez Puerto, escritora, fotógrafa y videasta cubana, realizadora del documental "Cuba Performances".
"Enhorabuena por la página y por su difusión a nivel mundial." Ayoze O´Shanahan Correas, videasta español, realizador del documental "La aventura del tabaco".
"...Desearía en lo adelante utilizar este medio para informar (...) sobre todo el proceso de producción de TV Serrana." Pablo García Barbán, productor de la TV Serrana.
"Muchas felicidades para CanalDocumental. Gracias por el contacto y las informaciones." Soledad Cruz, periodista, ex embajadora de Cuba ante la UNESCO.
"Manténganme, por favor, al tanto de lo que hacen. Estaré encantado de ofrecer más información..." Jorge Ferrer, escritor cubano.
"...Un sitio que está haciendo una excelente labor para divulgar el cine documental cubano, de dentro y fuera de la isla. (...) en mi opinión, Canal Documental TV es el mejor." Víctor Jiménez, videasta, director del documental “Nicolás: El fin pero no es el fin”.
"...Estoy suscrita a su sitio, el cual hallo muy interesante..." Tane Martínez, cineasta cubana, directora del documental "Paquete familiar".
“Sigo con atención los documentales que se ven ahí.” Nahum Lara Enríquez, realizador mexicano, director del documental “Rock cubano, algo más que salsa”.
“Mucha información y eso es bueno. (...) Los vídeos, reportajes e imágenes (...) me dan una onda `revista de tv´.” Karel Álvarez, creador 3D e informático.
"...No sabes lo que significa para mí ver Havana Surf en vuestra página web. Me encanta lo que estáis haciendo... En el documental he puesto un agradecimiento a vosotros por siempre tener interés en este proyecto... Vosotros promocionáis la paz, la hermandad, y simplemente el espíritu Cubano del que todos nos enamoramos. Gracias por todo vuestro apoyo." Rodrigo Díaz McVeigh, cineasta norteamericano - cubano – español, director del documental "Havana Surf" (2008).
“El sitio está requetebuenísimo, a mí muy particularmente me encantó, tiene toda la información del cine cubano que nosotros, como cubanos, no tenemos allá…” Marcelo Vitar, arquitecto.
“¡Os felicito por la propuesta!” Eloy Enciso, cineasta español, director del cortometraje documental "Barrio Chino".
"Me parece fantástico lo que me cuentas de cómo se proponen enriquecer la página". Teresa Toledo, responsable área Cine, Casa de América, Madrid.
"Muy grata sorpresa (...) valiosísima información proporcionada por este prodigioso Canal Documental (...) Me entusiasma este proyecto.” Luciano Castillo, crítico e investigador cinematográfico, director de la Mediateca de la Escuela Internacional de Cine, Televisión y Video (EICTV) de San Antonio de los Baños, en La Habana.
“Conocemos el trabajo que realizan con CanalDocumental, lo valoramos de muy positivo.” Inti Herrera (hijo de Eslinda Núñez, actriz cubana, y de Manuel Herrera, director de cine cubano). Productor de filmes como “El Ingenio” y “Viva Cuba”, de Juan Carlos Cremata. Creador de Producciones de la 5ª Avenida junto a Alejandro Brugués y Claudia Calviño. Actualmente es uno de los vicepresidentes de la Asociación de Cine, Radio y Televisión de la UNEAC.
“...Cada semana disfruto de las novedades.” Joaquín Estrada-Montalván, historiador, creador del blog Gaspar, El Lugareño.
“(...) Gracias (...) por el continuo apoyo al documental cubano.” Jorge Moya, cineasta, director del documental “Gory: Mención obligatoria”, sobre el fotógrafo cubano Rogelio López Marín (Gory).
“...Les agradezco la gentileza de mantenernos informados acerca del quehacer audiovisual de nuestro país.”. Grizel Hernández Baguer, musicóloga del Centro de Investigación y Desarrollo de la Música Cubana (CIDMUC). Fue asesora del documental "Argeliers" (2008) del cineasta cubano Félix de la Nuez.
“Gracias por la oportunidad que me dan, y le dan a todos los jóvenes cubanos, y su promoción, es una labor encomiable y muy buena.” Jeffrey Puente, realizador cubano (25 Kilómetros, 72 Horas, Para subir al cielo).
"Me parece muy bien (…) que divulguen todas las cosas con relación al documental cubano, tanto de un lado como de otro, toda una diversidad. Algo así sería imposible en Miami o en la propia Cuba." Jorge Dalton, cineasta cubano-salvadoreño (hijo del poeta Roque Dalton), realizador del documental "Cuando yo soñaba un mundo al revés".
SOBRE LAS ESTADÍSTICAS 10-11-2009 GTM 1 @ 22:50
jagb —Algunos amigos me preguntan si es posible obtener idea del número de visitantes que acceden al blog a diario. Para esto solo bastaría pinchar sobre el botón que está en el costado derecho, debajo del simulacro de currículum que aparece en el encabezado.
Si nos guiamos por el contador, las cifras totales no están tan mal, tomando en cuenta que el tema del cual hablamos aquí no es exactamente “comercial” o de interés “mediático”, sino que más bien es cosa de entendidos. Además, no hay fotos, ni videos, ni la página está alojada en un sitio cubano, lo cual indiscutiblemente le daría mucho más visibilidad. Vamos, que si me dejo guiar por los reclamos de la egoteca, tendría que admitir que aunque me pasase toda la vida escribiendo y publicando sobre cine cubano (cosa que, desde luego, dudo bastante: supongo que algún día me cansaré) los lectores no habrían pasado jamás de quinientos. Basta hacerse una sola pregunta: ahora mismo, en este justo minuto, ¿cuántas personas estarán hojeando un libro relacionado con el cine cubano?
Sin embargo, yo creo que lo interesante de todo esto no está en pretender “masificar la cultura cinematográfica”, aún cuando esté relacionada con el cine cubano, porque de pretenderse eso estaríamos incurriendo en el mismo error de siempre: imponer algo que en verdad ha de nacer de la vocación, del interés espontáneo. No hay que imponer, sino estimular el interés.
Por otro lado, a mayor número de visitas no hay garantía alguna de que los debates resulten mejores, o más profundos. A mis amigos blogueros les digo: no hay que desanimarse porque se tengan pocas visitas, en tanto lo importante es conseguir un buen grupo de trabajo que nos permita fomentar la complicidad intelectual, más allá de las diferencias. De cualquier forma, aquí les dejo con las estadísticas que hasta hoy, martes 10 de noviembre del 2009, se ha registrado por el contador.
Juan Antonio García Borrero
La primera visita fue: Sábado 10 Marzo 2007
Páginas vistas totales: 119.383
Nuevas visitas hoy: 198
Páginas vistas hoy: 326
Páginas vistas ayer: 356
Media de nuevas visitas: 83
Media de páginas vistas: 122
Visitas online: 34
Media mensual: 322
Visitas diferentes hoy: 65
Día de la semana con más visitas: sábado
Pronóstico páginas vistas para fin de mes: 9.660
Récord de páginas vistas: 537 (23/10/2009)
MAYRA VILASÍS SOBRE “DE CIERTA MANERA” (1975), de Sara Gómez 10-11-2009 GTM 1 @ 14:02
jagb —“Durante más de veinte años, la crítica feminista ha desarrollado un interés especial en examinar filmes dirigidos por mujeres de otras latitudes. Entre estos, De cierta manera se ha ganado una merecida posición por ser uno de los primeros realizados por una latinoamericana y caribeña - y en un país revolucionario- durante la década del auge de la crítica feminista en los Estados Unidos. Otras películas han sido estudiadas con esmero, pero ninguna de forma tan profusa, constante e inteligente.
Desde los primeros artículos escritos por Julia Le Sage para la revista Jump Cut en 1979 y 1980, pasando por E. Ann Kaplan con su libro Women and Film (Both Sides of the Camera), publicado en 1983, hasta The New Latin American Cinema (A Continental Project), texto dado a conocer en 1993 por Zuzana M. Pick, “De cierta manera” se ha mantenido ocupando espacios apreciables en la literatura cinematográfica feminista.
Aunque desde perspectivas diferentes, la crítica feminista concuerda en colocar el eje del conflicto dramático de la obra en el debate sobre el género y las relaciones hombre-mujer. Los contenidos relativos al subalterno racial, el marginalismo y las clases sociales se asumen como factores de mayor o menor envergadura, según los objetivos de los estudios. Otro foco de coincidencia sistemática en el análisis feminista de la película estriba en el esmerado y eficaz entretejido conflicto central-discurso cinematográfico, al utilizar la yuxtaposición ficción-documental.
La creación de una atmósfera “ficcionada”, con la ficción en sí misma, paralela a imágenes documentales, denuncia la hegemonía patriarcal y la necesidad del cambio social. La historia de ficción, además, expone la existencia de una subcultura - dentro de la predominante- donde se exacerban los valores machistas. La inserción del personaje femenino dentro de esa subcultura agudiza el conflicto personal mujer-hombre (Mario-Yolanda). Los espacios documentados que describen las transformaciones generales de la sociedad adquieren un carácter metafórico en función del tema principal: eliminar las disparidades genéricas para reconstruir las relaciones hombre-mujer es tan difícil de alcanzar y requiere de tanto esfuerzo como el necesario para destruir viejas ciudadelas y construir edificios nuevos.
El filme de Sara Gómez es una obra imperecedera que suscita múltiples y complejas lecturas. Dentro de la crítica cinematográfica feminista, coloca en primer plano de discusión la opción del lenguaje realista, muy cuestionado con el argumento de que no es suficiente representar la realidad de la opresión de que es objeto la mujer para hacer cambiar la conciencia de la sociedad. Es una película probadamente excepcional. Y lo es en tanto que la opción “De cierta manera” es irrepetible.”
Mayra Vilasís
OTRAS ENTRADAS EN EL BLOG SOBRE SARA GÓMEZ:
FABRICA DE TABACOS (1962), de Sara Gómez
PUCHEUX SOBRE “LA PRIMERA CARGA AL MACHETE” 07-11-2009 GTM 1 @ 14:44
jagb —MI PRIMERA CARGA AL MACHETE 41 AÑOS DESPUÉS.
Por Jorge Pucheux.
Leyendo hace unos días un artículo en Internet de Jaisy Izquierdo sobre el filme “La Primera carga al Machete”, de Manuel Octavio Gómez, donde expresa - “Dicen que recordar es volver a vivir, quizá porque la añoranza y el cariño a experiencias pasadas es capaz de devolverle la intensidad y la frescura que el tiempo, implacable, marchita. Al menos este fue el sabor que pude percibir cuando, por esos pretextos que nos regala el calendario mismo, se reunieron para «recordar» un grupo de aquellos que, junto a Manuel Octavio Gómez hace 40 años, se empeñaron en realizar “La primera carga al machete”
Este texto me trajo a la mente algunos recuerdos de aquellos primeros días en que Jorge Herrera y Manuel Octavio comenzaban a pensar en lo que más tarde sería este filme. Primeros días porque aún ni el amigo Cueto, ni Julio, ni ellos dos, Jorge y Octavio habían escrito una línea del guión. Fue una tarde a principios del año 67, entonces yo vivía en la calle San Lázaro, justo frente a la escalinata de la Universidad de La Habana, cuando me encontré en la puerta de mi edificio a Jorge Herrera quien venía caminando desde la avenida Infanta. Allí nos saludamos y él continuó su camino, de pronto, entrando a mi departamento, me encuentro detrás de mi a Jorge quien me dice: “¿Tienes tiempo? Hace días tengo una idea dándome vuelta en mi cabeza sobre un nuevo filme de Octavio”. Esa tarde y esa noche nos pasamos hablando de lo que él pensaba hacer en el tratamiento fotográfico de la imagen en ese filme. Como él sabía que yo ya había realizado algunas pruebas de imagen a partir de los nuevos negativos de ORWO, que habían llegado al Laboratorio por aquella época, sustituyendo a los materiales DUPONT, pues imagino que hablar sobre su idea conmigo era obviamente una conversación necesaria y además, muy a tiempo entonces.
Todos conocíamos a Jorge, su manera tan creativa de pensar y actuar, así que sin pensarlo dos veces la reunión duró horas. Allí nació la idea de cómo resolver sus inquietudes creativas con relación a varias secuencias que él tenía en mente y no veía claramente el cómo llevarlas a la práctica. Luego, después durante varios meses estuvimos hablando del tema, pero era necesario ya saber de qué manera el filme contemplaba estas brillantes ideas, ya un poco más compartidas entre él, Pedro Luis y yo.
Una vez terminado el guión pasamos a la segunda etapa en las cuales iniciamos una batería de Test de Imágenes, ya en función de ideas concretas. Jorge sabía que lo que él había hecho en “LUCÍA” en la fotografía, al contrastar algunas escenas y planos a partir del uso directo del Negativo original con un material cuyo uso no era para eso, ya no lo debía repetir, pues estaba poniendo en riesgo la filmación misma. Se le explicó que usando esos mismos materiales, pero a partir de los procesos de duplicación, podía lograr un sinnúmero de nuevas texturas de diferentes contrastes, sin poner en riesgo el negativo original y todo lo que eso significaba desde el punto de vista de la Producción. Durante todas aquellas pruebas, Jorge estuvo con nosotros, opinado, corrigiendo, escuchando opciones mejores.
Recuerdo que estuvimos muchos meses en aquellas andanzas, hasta que un día llegó y me planteó que él confiaba plenamente en nosotros y que sabía bien que nuestros aportes iban a ser significativos. Claramente Jorge ya no podía estar con nosotros, pues los días de tomar la cámara en sus manos estaban cerca. Poco a poco, a medida que avanzaban las filmaciones, Nelson nos enviaba los planos que debían ser tratados por nosotros en la Truca, se iban realizando hasta tenerlos todos listos para su revisión final. Después de tantos meses de trabajo, los resultados habían sido los esperados por Jorge y por Octavio, todo parecía que estos eran los únicos efectos que la Truca iba a tener en esta película, cuando de repente fuimos citados al cuarto de edición. Era claro que la película, ya una vez armada excelentemente por Nelson, su editor, necesitaba de nuevos efectos en el tratamiento de la imagen. Pero esta vez era eliminarle totalmente el contraste a algunos planos, dejándolos en una tonalidad como si fueran al Pastel, muy suaves, puros tonos de grises, sin blancos y negros puros. La nueva idea era estupenda, pues jugaba muy bien con la estructura que llevaba la película.
Ejemplo: cuando los españoles hablaban de la guerra y para dar la idea de que todo estaba en Paz y tranquilidad en la Isla, las imágenes deberían estar muy suaves, sin fuerza de contraste, pero cuando se iba a las escenas de la guerra, en la plena manigua, estas deberían estar sumamente contrastadas, puros blancos y negros. Aquello fue para nosotros como un terremoto, no por no tener tiempo, ni ganas de hacerlo, sino porque los materiales con que contábamos entonces ya no eran los buenos, los que ofrecían calidad incuestionable y seguridad en y durante los diferentes procesos dentro de los Laboratorios y la Truca. En pocas palabras, estos nuevos materiales ORWO, eran utilizables, pero no para trabajar en efectos visuales de mayores complejidades.
De más está decir que los días siguientes fueron maratónicos en todos los sentidos, tuvimos que experimentar con todos los diferentes tipos de películas que existían en los almacenes hasta encontrar finalmente el que mejor resultado nos brindaba. Recuerdo que el escogido resultó ser el que se utilizaba para hacer los Master en B y N (material que era utilizado para resguardar o proteger los negativos originales de ser utilizados en procesos de duplicación o recopias de los filmes). El resultado fue muy bueno. Todos quedamos felices, solo que aun faltaba lo mejor. Había que solarizar algunos planos que Octavio quería para usar en los créditos y en algunas canciones de Pablito.
Solarización, un término muy fácil de escribir y de decir, pero de realizar, al menos en el año de 1968, bien cañón ¡¡¡. Para que se pueda comprender de qué se trata, basta decir que es cuando uno logra que la imagen esté en el justo medio entre un negativo y un positivo. En un cuarto oscuro, un buen fotógrafo lo puede realizar, encendiendo la luz durante un instante mientras está revelando el negativo, logrando así imágenes realmente estupendas, interesantes, creativas, pero ¿cómo lograrlo dentro de un proceso industrial? Aquel día en que nos llamaron para pedirnos que acometiéramos estos últimos efectos, ese día, creo que nos convertimos en parte de las tropas cubanas y nos lanzamos a la carga al machete.
Lo genial fue que de tantas pruebas, de tantos meses metidos hasta lo último en los Laboratorios y en la Truca (es importante decir que durante aquellos años, solo Santiago Álvarez había podido prácticamente poner en función de sus filmes la instalación completa de los Laboratorios de Cubanacán) rápidamente nos vino a la mente la genial idea de colocar en Truca, al mismo tiempo, simultáneamente, como un emparedado, los mismos planos, solo que en una cinta las imágenes estarían en negativo y en la otra en positivo, pero con mucho más contraste. De esta manera las copiaríamos en un nuevo negativo, pero de alto contraste, la mezcla de ambas cintas.
Nunca antes hasta esos días habíamos procesado en Truca una cantidad de efectos visuales de esta envergadura y características. Se hicieron en aquellos tiempos otras películas difíciles, pero con otras propuestas en la manipulación de sus imágenes. Después de este filme las cosas fueron más expeditas. Habíamos aprendido a cortar cabezas.
“La primera carga al machete” fue para mi y para otros amigos una verdadera escuela. Ahora “ya casi” si está completo el artículo de Jaisy Izquierdo, aunque pudieran existir todavía otras historias pendientes de ser contadas.
